La primera trilogía Star Wars (III): El retorno del Jedi

El retorno del JediTristemente, y desde su mismo arranque, El retorno del Jedi va destruyendo una por una todas las suculentas expectativas con que el incondicional de la saga fue a las salas de cine para asistir al cierre de la historia. Lucas olvidó las magníficas ideas que había planteado El Imperio contraataca, el inesperado y admirable tono adulto de la historia y lo prometedor de las intrigas que habían quedado abiertas. Tal vez asustado por las críticas que se habían quejado del tono «oscuro» de su película, comparándolo con la festiva ingenuidad de La guerra de las galaxias, el cineasta decidió recular (¿temía que los padres de familia no llevaran a sus hijos a ver la película?) y tomó dos decisiones. La primera, infantilizar los ingredientes de su historia, otorgando un insólito peso de la historia a esos cargantes peluches que son los Ewoks. La segunda, convertir a sus personajes en un puñado de blandorros de mucho cuidado, empezando, ay, por el mejor de todos ellos, el antes mercenario Han Solo. No importa. Pese a la decepción, eso podemos perdonarlo. Lo que es imperdonable es que Lucas decidiera tomarnos por tontos a los seguidores de la saga y convertir a la princesa Leia en ¡la hermana de Luke! (ella era esa «otra esperanza» de la que hablaba Yoda en El Imperio). Y peor aún, que decidiera redimir al malvado absoluto, a Darth Vader, sólo porque redescubre las delicias de la paternidad. El retorno del Jedi es un bodrio sin remisión alguna, y si no es el peor título de toda la saga galáctica es porque existe ese aburrido engendro con que se inauguró en 1999 la segunda trilogía, La amenaza fantasma, que es aún más malo.

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La primera trilogía Star Wars (II): El imperio contraataca

Cartel de El Imperio contraatacaPara muchos incondicionales de la saga, El Imperio contraataca siempre ha sido la mejor película de la primera trilogía, y la razón que dan es que se trata de la más «adulta». Yo prefiero La guerra de las galaxias, pero entiendo esa valoración, pues incluso yo mismo lo pensé una vez. Y es que hay que reconocer que pocas veces una secuela ha estado mejor planteada para hacer progresar, en todos los sentidos, las tramas apuntadas en la primera parte. No sólo se avanza en la relación entre personajes, resolviendo el triángulo sentimental (cuando lo más fácil habría sido dejarlo pendiente in aeternum), sino que añade un buen puñado de revelaciones que, en efecto, tienen la cualidad de tejer una considerable densidad dramática (a la cabeza, el vínculo filial entre el héroe y el villano), introduce nuevos personajes y, por si fuera poco, concluye del mejor modo posible: dejando las intrigas en el aire para hacer deseable la inmediata reanudación de la saga con el tercer capítulo y final. Que éste fuera ese espanto conocido como El retorno del Jedi supone una de las mayores decepciones de toda la historia del cine.

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La primera trilogía Star Wars (I): La guerra de las galaxias

Cartel del estreno de La Guerra de las GalaxiasLa película que marcó toda mi infancia fue La guerra de las galaxias. Fue el primer film que vi más de una vez (de hecho, en el momento de su estreno, al menos tres: más que nada, porque a mi padre también le impactó); con mis amigos del barrio jugamos a ella antes de que llegara a España su merchandising (con clicks de Famobil y plastilina para crear espadas láser y demás utillaje); después de El Imperio contraataca no dudé en escribir yo mismo una tercera parte (calcada, claro, de la que acababa de ver); llegado por fin el nutrido material mercantil, y aunque ya no era un niño, no dudé en comprar muñequitos y naves espaciales… La saga Star Wars fue para mí algo irrepetible, y aunque cuando se pierde la inocencia lo hace para siempre, todavía ocupa un lugar especial en mi memoria: hay que ser agradecidos con aquello que nos ha hecho muy feliz, aunque ya no posea la misma (ni siquiera cercana) importancia. No puede tenerla: el mismo George Lucas ha empleado sus más arduos esfuerzos en el propósito de destruirla, primero con su continuo «barniz» a los efectos especiales de la saga y después con esa innecesaria y encima archimediocre segunda trilogía (que resultó ser la primera, rebautizos numéricos mediante). Las mismas películas iniciales no han podido evitar cierta desvalorización. El atractivo de El retorno del Jedi se perdió enseguida: era muy mala como para resistir más de un visionado. Pero incluso a las dos primeras, aunque todavía hoy poseen un indiscutible encanto, les encuentro más defectos de la cuenta. No importa. Hagamos un esfuerzo: aunque sea por Han Solo (antes de ser descongelado), por los dos robots, por el genialmente informe diseño del Halcón Milenario, por descubrir que el malvado rector de la Estrella de la Muerte era el mejor Frankenstein (el barón, no el monstruo) del cine, por los rodetes del pelo de la princesa Leia, por la batalla en el planeta helado, por el impacto de que Darth Vader fuera el padre del héroe…

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Descubrimiento de Valeri Briúsov

La poco lucida portada de El ángel de fuego, en HéptadaLa semana pasada, en Madrid, descubrí una magnífica librería especializada en literatura de género, con especial vocación por la fantástica. Se llama Opar, y su primera particularidad es que no se encuentra en un local a pie de calle sino en el segundo piso de un inmueble situado en Goya, en un par de habitaciones cubiertas por apretadas estanterías cargadas de libros. Entre ellos, gran parte de los fondos de la editorial Valdemar, pero también múltiples libros descatalogados, verdaderas rarezas, joyas hoy día. Para el amante de esta literatura, resulta un tesoro, pero además su dueño, Alfredo Lara, persona de larga trayectoria en publicaciones del género y actual editor de la línea que Valdemar está dedicando a la literatura del Far West, ofrece una acogida verdaderamente cálida a quien se asoma por su puerta, derramando con gran generosidad su enciclopédico conocimiento sobre la literatura de aventuras, de terror, de ciencia-ficción, de intriga, de historia, etcétera. Entre las recomendaciones que me hizo, me llamó la atención una novela, El ángel de fuego, sobre la que me habló maravillas, obra de un escritor ruso, Valeri Briúsov, cuyo nombre enseguida me resultó familiar. En efecto, un mes atrás, y dentro de un bonito libro de Alba titulado Pioneros de la ciencia-ficción rusa, había tenido ocasión de leer un par de relatos suyos espléndidos. Me zambullí enseguida en las páginas del libro —publicado en 1991 por una editorial, Héptada, de la que no tenía la menor referencia— y en un par de días he devorado sus 400 páginas, completamente fascinado.

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Vernon Lee, la voz maléfica

Edición Valdemar de los relatos de Vernon LeeLa editorial Valdemar acaba de sacar al mercado la que es, hasta ahora, la más extensa selección de cuentos fantásticos de una autora, por desgracia, poco conocida en nuestro país, Vernon Lee. Se trata de El príncipe Alberico y la Dama Serpiente, cuyo subtítulo 13 historias fantásticas y macabras ya es suficientemente explicativo. Los editores señalan que recoge «prácticamente todos» sus cuentos fantásticos: el adverbio parece puesto para indicar alguna salvedad, pero, en cualquier caso, 13 es una cifra estupenda (y significativa) para hacerse una buena idea del talento de esta escritora, cuyo escaso renombre, al contrario que el de otros, no esconde ninguna sobreestimada reputación. Asomarse a sus páginas es descubrir que los elogios que sobre ella vertieron nombres tan dispares como los de Henry James, Aldous Huxley o Italo Calvino no fueron exagerados. En un ambiente como el de la literatura fantástica, en el que, a medida que uno se sumerge, se descubre que hay muchos autores sobredimensionados o carentes de personalidad (aunque, muchas veces, no de renombre), el nombre de Vernon Lee resplandece por dos cualidades eminentes: una indiscutible mirada personal sobre los temas clásicos del terror y un estilo literario que remarca el valor de esa mirada.

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El regreso de los tripulantes de la Enterprise

La nave estelar Enterprise

Queda muy poco para el esperado estreno de la segunda película del reformulado Star Trek, y por ello es oportuno recordar los parámetros de esta nueva fórmula, tal como se plantearon en el previo, y ya de por sí excelente, primer título dirigido por J.J. Abrams. Pues si hay algo que caracteriza la longeva saga de Star Trek —hoy se utiliza más bien el feo término «franquicia»— es, sin duda, su capacidad de autorre-generación. La serie original creada por Gene Roddenberry en 1966, y estrenada en nuestro país bajo el entrañable título de La conquista del espacio, se cerró en 1969 al cabo de tan solo tres temporadas. Diez años después, y amparada en el increíble fenómeno de fans conocido como trekkiemanía, dio el salto a la gran pantalla por medio de una superproducción de gran presupuesto que se tituló, con sencillez pero al tiempo rotundidad, Star Trek. The Movie (1979), y que se confió a un solvente veterano del Hollywood clásico como Robert Wise. El éxito de la película dio origen a un primer ciclo formado por cinco secuelas más, protagonizado siempre por el mismo elenco de la serie televisiva original, que se cerró en 1991 por puras razones de agotamiento, así como de envejecimiento del reparto. Sin embargo, entremedias había surgido, de nuevo en el medio televisivo, una nueva serie, titulada precisamente Star Trek: la nueva generación (siete temporadas, entre 1987 y 1994), cuyos actores y personajes relevarían, en cine, al casting clásico, prorrogando la saga por cuatro películas más, hasta 2002. En plena fiebre actual de eso que llaman reboots, o sea, la reformulación de sagas, series o ciclos de probado éxito, era lógico que se intentara reflotar de nuevo Star Trek, teniendo en cuenta además que el espectacular avance de la CGI justo en los años anteriores se prestaba de manera eminente para dotar de nuevo atractivo a sus aventuras.

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El Hombre de Acero: demasiado (super)ruido para tan pocas nueces

La estela del héroe en El Hombre de AceroEs muy curioso que El Hombre de Acero haga lo mismo que tanto se criticó en Superman Returns (2006, Bryan Singer): depender considerablemente del pasado, o sea, del primer proyecto cinematográfico moderno del personaje. En rigor, el replanteamiento (perdón, reboot) propuesto por Christopher Nolan y David S. Goyer no es sino un remake de los dos primeros Superman de Christopher Reeve, esto es, los títulos de 1978 y 1980 que, recuérdese, en un principio iba a ser una sola película que luego se dividió en dos (y más de la mitad de la segunda fue rodada por el director de la primera, Richard Donner, antes de ser despedido). Ante todo, cuenta la misma historia que las dos películas juntas: el origen de Superman, su crecimiento en la granja de la familia Kent al tiempo que descubre su naturaleza suprahumana y el descubrimiento de su verdadera identidad al encontrar un vestigio de su auténtico pueblo (que lleva consigo la recuperación de su verdadero padre bajo la forma de un holograma encargado de concluir su educación). Y, cerrando el círculo, el enfrentamiento con otros seres justo tan superhumanos como él, es decir, un puñado de supervivientes del destruido Krypton liderados por el malvado general Zod, que al llegar a la Tierra se encuentran con que poseen los mismos poderes que él.

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Otra vuelta de tuerca a Henry James: ¡Suspense! (II)

Inolvidable BlyEl cine añadió a la trama de Otra vuelta de tuerca otro personaje protagonista además de la institutriz y los dos niños, que en la novela de Henry James es, ante todo, un escenario. Me refiero, claro, a la hipnótica mansión de Bly donde transcurre la historia. Esto es así desde el mismo momento en que la protagonista llega al lugar donde vivirá el drama. En el relato, James lo resuelve con unas cuantas frases en las que la sensación que más destaca es, para alguien que ha crecido en una casa modesta con muchos hermanos, la enormidad del lugar. Para el escritor, Bly no es un espacio encantado. El posible hechizo siempre se encuentra en el interior de las personas que lo habitan. Sin embargo, en la película Bly, como no podía ser de otro modo, sí es un espacio completamente impregnado por la existencia de los fantasmas, por la contaminación del mal, haciendo que lugares como el estanque, la rosaleda o la torre almenada donde la señorita Giddens ve por primera vez a Peter Quint, sean tan poco inocentes como sus habitantes. Y en buena parte, se opte por la explicación fantástica o la racional, lo que no puede dudarse es que es la misma señorita Giddens quien transmuta Bly en un espacio donde no puede no haber un encantamiento, un hechizo, una posesión. La mirada de Giddens es fundamental, pues a partir de ella la magnífica iluminación de Freddie Francis y la estupenda elección de la casa donde transcurre la acción (Sheffield Park Gardens, en Sussex) crean uno de los escenarios más hipnóticos de toda la historia del cine.

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Otra vuelta de tuerca a Henry James: ¡Suspense! (I)

The Innocents¡Suspense! es el trivial título que dio la exhibición española de la época a la magnífica adaptación cinematográfica firmada por Jack Clayton en 1961 a partir del sobrecogedor relato de Henry James The turn of the screw. Ya de por sí, esta nouvelle ha sufrido distintos rebautizos. El original se traduce como La vuelta de tuerca, pero el argentino José Bianco, en decisión que Borges sancionó con aplauso público, lo modificó para crear el título por el que hoy es más popular en la edición en español, Otra vuelta de tuerca. Para complicar las cosas, la versión de Jack Clayton, en realidad, tampoco se llama así, sino que optó por el título The Innocents, quizá para señalar que el foco del drama que registra su película se encuentra en los dos niños que sufren el acecho vigilante de su institutriz para evitar que sean mancillados por el contacto de los dos espíritus perversos que los rondan. El título, así, resulta considerablemente ambiguo, pues si bien lo que disputa la protagonista, la señorita Giddens, es precisamente esa inocencia, es probable que ésta haga mucho tiempo que haya sido completamente pervertida. Desde luego, el mayor emblema de inquietud que, para mí, posee la película es, precisamente, la turbia expresividad de los dos niños actores, tan radiantes como excesivamente bellos y sanos. Nunca una mirada infantil o una sonrisa de alegría han parecido esconder tanto conocimiento del mal como las que exhiben esos dos pequeños genios que fueron Martin Stephens y Pamela Franklin. En torno a ellos, ¡Suspense! se despliega no sólo como un ejemplo de adaptación literaria (y encima de un autor tan difícilmente adaptable —pese a las muchas versiones de sus obras— como Henry James) y la obra maestra del fascinante género de «casas encantadas», sino como una de las películas más bellas, aterradoras, siniestras y perversas de toda la historia del cine.

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Superman Returns o la película más «molesta» del Hombre de Acero

Superman ReturnsEl inmediato estreno de El Hombre de Acero (2013, Zack Snyder) hace oportuno el recuerdo de la versión justo anterior de las andanzas del último kryptoniano: Superman Returns, una película muy poco distante en el tiempo de la primera, y sobre la que sin embargo, en el escaso espacio de siete años, parece haber caído un enorme olvido, hasta el punto de que casi creo que se está intentando hacer con ella (por parte de críticos, incondicionales del personaje y, supongo, los responsable de la nueva versión) como si nunca hubiera existido. De hecho, entre las consecuencias de esa indiferencia se halla la difusión de la noticia de que la película de Bryan Singer, en su momento, fue un gran fracaso comercial, lo cual no es cierto, ya que recaudó el doble de lo que había costado. Ahora bien, también parece evidente que no colmó las expectativas de quienes la pusieron en marcha, puesto que ha quedado como un capítulo en suspenso de la franquicia del Hombre de Acero, hasta el punto de que, en esta época en que el reboot se ha puesto de moda, se haya preferido un nuevo comienzo que la prolongación de las aventuras del personaje allí donde lo dejó el film de Singer. Y no quiero hacer de abogado del diablo: el hálito de película fracasada que se ha posado sobre Superman Returns se entiende, pues no sólo no es un film conseguido sino que, bien al contrario, resulta muy discutible. Su mayor problema, el que supongo que lo ha convertido en un título antipático para todo el mundo, es precisamente el de su grave indefinición… aunque en este aspecto también se hallan buena parte de los atractivos que, pese a todo, tiene y que ahora pasaré a desgranar.

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Inteligencia Artificial: el niño-robot que quería ser Pinocho

A.I. Inteligencia ArtificialConfieso que, a la altura de 2001, hacía tiempo que había perdido ese cosquilleo que, desde mi infancia, me había provocado cada estreno de una película de Steven Spielberg. Aunque tengo que hacer una profunda revisión de su filmografía, recuerdo que el desencanto se inició con la doble decepción que para mí supusieron las dos películas que estrenó en el año 1993, Parque Jurásico y La lista de Schindler. Ambas de una atroz blandura, si bien por distintas razones, terriblemente decepcionante el carrusel de maravillas que prometía la primera (fuera del impacto de unos efectos digitales que poco después ya no asombraban a nadie), e inauditamente tramposa la segunda (que desaprovechaba del modo más lamentable un personaje cuya fascinación permitía la mejor reflexión sobre el Holocausto y, por tanto, el lado más sombrío de eso que llamamos humanidad), dieron paso, a lo largo de esa década, a otras películas que me parecieron tan fallidas o más que éstas, incluida Salvar al soldado Ryan (1998). Desde esta última, Spielberg tardó tres años en firmar una nueva película, y el resultado me dejó boquiabierto, pues me encontré ante la historia más dura jamás filmada por el director, que ofrecía un tratamiento de la institución familiar que nadie hubiera presagiado en el hombre que no tuvo el menor reparo en destrozar el mito de Peter Pan para convertirlo en la alucinante historia de la redención de un yuppie sin tiempo para ir a ver los partidos de sus hijos: hablo de la nefasta Hook (1998). Se trata de la magnífica Inteligencia Artificial (2001), todavía hoy una de las dos o tres mejores películas de su autor, y el arranque de una etapa de su carrera que, con algún que otro tropezón, creo que es la que verdaderamente hará perdurable su cine.

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La vida en un hilo: declaración de principios de un hedonista en la España de Franco

La vida en un hiloEdgar Neville fue uno de los directores más atípicos del cine español de los 40 y 50. Su obra, y en especial sus mejores películas (que rodó en lo más profundo y antipático del franquismo), denotan a un hombre que pareció moverse por un universo particular que sólo ocasionalmente, y por razones de fuerza mayor, entraba en contacto con la gris realidad circundante. Un universo radicado en Madrid, pero no el Madrid de la cartilla de racionamiento y los sueños de grandeza del abortado fascismo nacional, sino uno que ya no existía, o que tal vez no existió nunca salvo en los sueños de ese elegante cosmopolita que fue Neville. El Madrid de varias décadas atrás, el de las chulaponas, de las manolas, de los pollos pera, de los chotis y las revistas picantes, de la media tostada y los cafés donde se reunían los bohemios. El Madrid castizo que retrató en esas tres joyas que son La torre de los siete jorobados (1944), Domingo de carnaval (1945) y El crimen de la calle de Bordadores (1946). Pues bien, en el corazón de esa trilogía, Neville ideó una historia, teóricamente situada en el Madrid coetáneo, una historia a caballo entre la alta comedia y el fantástico fino, a partir de un bonito hallazgo argumental, que para muchos es su obra maestra, y que años después dio origen a una obra teatral de considerable éxito, incluso mayor que la pieza cinematográfica de donde surgió.

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El hombre tranquilo: el paraíso estaba en Innisfree

El hombre tranquiloDentro de la filmografía de John Ford, y entre los incondicionales del director, El hombre tranquilo suele suponer uno de sus títulos «intocables», más queridos, por cuanto, se señala, contiene la quintaesencia de ese inimitable feeling que el director sabía crear entre los espectadores y su galería de personajes de psicologías sencillas. Ese feeling, por supuesto, se encuentra en todo el cine de su autor (de hecho, es uno de sus elementos imprescindibles), pero nunca hasta entonces el director había dedicado una película íntegra, sin mayor excusa argumental que una historia de amor, a su exposición. En todo caso, el precedente más evidente de este film de 1952 es ¡Qué verde era mi valle! (1941), una de sus obras maestras incontestables, también centrada en el devenir de gentes humildes y sencillas en un modesto rincón rural, sólo que esta vez situado en Gales. Pero ese film posee un aire de elegía, incluso de tragedia, que lo aparta del mero canto distendido a los valores y modos de vida de las pequeñas comunidades tradicionales que en El hombre tranquilo ya ocupa toda la escena. Y sobre todo, este film es Irlanda. O sea, esa Irlanda soñada, mitificada, seguramente inexistente, con la que había soñado toda la vida este hijo de emigrantes que llegaron a los Estados Unidos en 1872 desde la verde Eire.

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De 1997 a 2013: el Serpiente al rescate en Nueva York y L.A.

1997, A.D.

1997, rescate en Nueva YorkEn el año 1997, la isla de Manhattan ha sido convertida en un gigantesco presidio, rodeado por todas partes por un enorme murallón controlado desde la Estatua de la Libertad, donde se deja a su suerte a los convictos más peligrosos: el que entra, no vuelve a salir. En ese lugar abandonado al apocalipsis va a caer el mismísimo presidente de los Estados Unidos cuando se dirigía a una conferencia de paz en la que debía entregar un mensaje grabado, vital para detener la guerra total hacia la que el mundo se encamina. El comisionado de policía Hauk sólo encuentra una salida: hacer que alguien de la misma calaña de los reclusos, un antiguo marine del ejército norteamericano devenido en temible delincuente, Plissken —pero que, cada vez que lo llaman por su apellido, siempre replica: «Llámame Serpiente»—, penetre en Manhattan para rescatar al presidente y a su grabación en el plazo máximo de 24 horas, fuera de las cuales ni el uno ni la otra valdrán ya gran cosa. Para impedir que el Serpiente aproveche su libertad para escapar, se le inoculan en su cuerpo un par de cápsulas-bomba que explosionarán justo cuando se acabe el plazo indicado… ¿Cómo no relamerse de expectación ante semejante motor argumental?

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Wall-E, el robot que amaba Hello, Dolly!

El entrañable robotijo Wall-EUna panorámica del espacio y de las galaxias acaba dirigiéndose hacia nuestro reconocible planeta, la Tierra, pero al acercarse a su superficie, descubrimos el dantesco paisaje de un mundo desolado, cuya atmósfera está invadida por un fino y presumiblemente deletéreo polvillo, y más en concreto una enorme ciudad abandonada, donde se erigen al cielo todavía enormes rascacielos entre montones de basura. Y sin embargo, la banda sonora es inundada por la alegre tonada «Put On Your Sunday Clothes», una canción extraída del musical Hello, Dolly! (1969, Gene Kelly), que otorga un misterioso (y optimista) efecto de contraste. Esta es la clave de WALL-E, perfectamente resumida por su excelente inicio: una aparente antiutopía sobre el pernicioso efecto del hombre sobre el medio ambiente que acaba siendo una fábula, llena de acidez pero sobre todo de ternura, sobre el concepto de ser humano.

En ese mundo en el que ya no queda una sola persona, la humanidad —es decir, lo que nos hace merecedores de ella: la capacidad para la curiosidad, la complacencia en el trabajo bien hecho, la búsqueda de un entorno más cómodo, que nos haga la vida mejor, y sobre todo las emociones: la amistad, la compasión, el amor— encuentra su más inesperado y digno representante en un pequeño robot cuya utilidad, a la que sigue conmovedoramente fiel, era muy subalterna: empaquetar la basura en cómodos cubos apilables. Wall-E, siglas de Waste Allocation Life Lifter Earth-Class, es quien ha levantado esos enormes rascacielos formados por pequeños montones de cubos constituidos por la basura que ha comprimido en el interior de su diminuto cuerpo. Y sigue fiel a su programa, recorriendo cada día la ciudad, descansando de noche porque su cuerpo se recarga gracias a una batería solar. Wall-E es algo más que un mecanismo guiado por una ciega programación: es un pequeño ser cuya creatividad es estimulada por los pequeños hallazgos cotidianos. Su inocencia casi infantil se expresa por el modo en que, por ejemplo, al encontrar una cajita con un valioso diamante, desecha la gema… para quedarse con su bonito recipiente.

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