Furia de titanes, o el Kraken siempre ataca dos veces

Furia de titanes, de 1981Llevado por mi afición a comparar distintas versiones de una misma historia, quiero comentar dos películas de fantasía mitológica que abordan uno de los más atractivos mitos griegos, el de Perseo. La primera versión, Furia de titanes, es de 1981; la segunda, con el mismo título, de 2010. Ambas representan, además, dos modos muy distintos de concebir la fantasía, en las antípodas uno del otro. Ninguna de las dos películas, adelanto, es una maravilla, si bien prefiero con mucho la primera versión: esta Furia de titanes es una película consciente de su condición ya de anacronismo viviente —la asumida ingenuidad de sus trucos nada podían hacer ya frente al realismo de los nuevos efectos especiales—, pero aun así intenta, de modo endeble pero con encomiable convicción, volver a plantear una aventura al modo clásico. Furia de titanes 2010 se pavonea como el nuevo rico que intenta lucir su traje a la última —los efectos de CGI o Imágenes Generadas por Ordenador— que cree que lo dota de lujosa prestancia pero que no hace sino desnudar su pobreza de ideas. Los efectos especiales de la primera no engañan a nadie con su condición de ilusión artesanal; los de la segunda intentan apabullar creyendo que pueden dar vida a cualquier cosa, y no solo no lo consiguen (no es Avatar, precisamente), sino que confunde el ingenio con la aparatosidad y la elefantiasis. La primera mueve a la simpatía; la segunda, en apariencia inocua, acaba encerrando una alarmante lectura ideológica que quiere colarse, de modo inicuo, entre los renglones de su presunto canto a la fantasía.

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Máscara, antología de relatos inéditos de Stanislaw Lem

Portada de Máscara, de Impedimenta, con una ilustración de Ernst HaeckelLa editorial Impedimenta sigue haciendo de Stanislaw Lem uno de los pilares de su línea de publicaciones. Lo está haciendo en tres frentes: recuperando traducciones ya publicadas pero ahora difíciles de encontrar (por ejemplo, las procedentes de la antigua Bruguera), volviendo a traducir obras ya existentes en español pero en ediciones discutibles (por ejemplo, la emblemática Solaris, cuya traducción en Mondadori —con independencia de su alta calidad— no se había realizado procedente del polaco original sino del francés) y, todavía mejor, publicando obras absolutamente inéditas. El último regalo que nos ofrece es un libro que recopila un conjunto de relatos que ya en su Polonia natal eran difíciles de encontrar (según se nos cuenta en la nota a la edición), puesto que los mismos editores polacos, fuera del volumen que los contenía en origen, los habían ido descartando en posteriores recopilaciones. El título elegido es el de Máscara, la excelente traducción es de Joanna Orzechowska —responsable de buena parte de las versiones de Impedimenta— y la atractiva cubierta contiene una ilustración del filósofo, naturalista e ilustrador alemán Ernst Haeckel, extraída de su obra Formas artísticas de la naturaleza (por cierto, hace unos meses, una editorial muy diferente, pero igualmente admirable, La Biblioteca del Laberinto, también recurrió al mismo autor para su edición de El habitante del lago, de Ramsey Campbell). En fin, un libro dotado del interés y la belleza a que nos tiene acostumbrados Impedimenta.

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Sherlock, segunda temporada: el Canon revitalizado

Benedict Cumberbatch y Martin Freeman, los Holmes y Watson del siglo XXIDespués de vista la segunda temporada de la serie Sherlock —compuesta, al igual que la primera, por tres episodios de 90 minutos cada uno—, admiro todavía más la espléndida reelaboración que del mito holmesiano realizan sus autores y la magnífica traducción de sus principales elementos para situar a los personajes en la época contemporánea. Está claro que cualquiera, tenga mayor o menor (incluso ningún) conocimiento sobre el personaje creado por Arthur Conan Doyle, podrá disfrutarla a la perfección, pero quienes amamos al personaje desde el mismo Canon tenemos la ocasión de admirar dos notables triunfos. Primero, el respeto al personaje, a los elementos que componen su historia y circunstancias, por tanto el respeto por quienes, de entrada, no acuden de vacío a los episodios. Segundo, la riqueza de su adaptación, que permite tomar nuevos rumbos, explorar diferentes caminos a los ya conocidos, sin traicionar lo anterior pero sin remedar de modo mecánico los relatos. Del mismo modo que la franquicia cinematográfica encabezada por Robert Downey jr no solo hace lo que le da la gana con el personaje sino que, encima, lo convierte en un monigote para dar brincos aquí y allá, otras series (por ejemplo, la famosa de los años ochenta con Jeremy Brett, que aquí se vio tardíamente), se contentaban con reproducir lo más fielmente posible el sabor original. Lo cual, inicialmente, puede complacer pero acaba por cansar por insípido. Sherlock es una adaptación que desborda, en todos los sentidos, de enorme riqueza, por no hablar de que ofrece en Benedict Cumberbatch a uno de los mejores Holmes jamás vistos.

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La vida secreta de Walter Mitty, o los sueños que hay que vivir

La vida secreta de Walter Mitty

En psicología, se denomina síndrome de Walter Mitty a la predisposición de determinados individuos a pasarse el día soñando despiertos, en especial sueños que reflejan una visión heroica de sí mismos, para evadirse de la gris realidad. El nombre está tomado del personaje protagonista de un relato bastante célebre en la literatura norteamericana, obra del periodista, dibujante y humorista James Thurber, que lo publicó el 18 de marzo de 1939 en el prestigioso semanario The New Yorker. En las apenas ocho páginas del relato, Thurber se basta para realizar un agudo retrato de este tipo de individuo, cuya vida cotidiana, en efecto, parece muy poco confortable (zarandeado por una esposa dominante que lo trata como a un niño y no le permite un resquicio de autonomía) y que, a la primera de cambio, y con cualquier excusa que le proporciona el mundo circundante (un anuncio de periódico, una fotografía, un edificio público ante el que está pasando) se convierte en un heroico piloto de guerra, en un médico capaz de realizar la operación más difícil mientras repara, con tan solo una estilográfica, la máquina anestesiadora o en un insolente ganapán que reta a todo un fiscal en el estrado de los acusados. El espléndido relato es tan popular en Estados Unidos como para haber merecido dos adaptaciones al cine, al servicio de dos actores especializados en papeles cómicos: la primera en 1947 con Danny Kaye y la segunda de reciente estreno navideño con Ben Stiller en el papel titular. Con la excusa de esta muy simpática nueva versión voy a hacer un pequeño recorrido por el personaje.

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Historias para época navideña: MujercitasBen-Hur

Poster teatral de Ben-Hur

Hay historias que uno asocia a la Navidad: un cuento de Charles Dickens en la memoria de todos, varias películas del Hollywood clásico empezando por aquella sobre el pobre diablo al borde del suicidio a quien su ángel de la guarda muestra cómo hubiera sido su pequeña ciudad de no haber nacido él nunca, muchas novelas de aventuras (Salgari y Verne encajan especialmente en la época) o la saga de El Señor de los Anillos (y es que mi primera lectura me la regalé unas navidades de hace muchos años). En estas fiestas he leído dos libros, muy voluminosos ambos, que reúnen otras características: ser obras que en otra época del año no «pega» leerlas. Son dos novelas norteamericanas que reúnen una misma condición: hoy día, seguramente, se las recuerda más por sus versiones para el cine que por el original literario. En ello tiene que ver mucho el cambio del concepto de literatura juvenil: es difícil que hoy día unos padres las regalen a sus niños, sobre todo en el caso de la segunda. Se trata de Mujercitas y Ben-Hur. Ambas, además, tienen en común unas intenciones aleccionadoras. En el caso de la primera, proponerse como un modelo de conducta social y personal para la juventud. En el de la segunda, como un ejercicio de afirmación religiosa, que se remonta para ello al convulso periodo del nacimiento mismo del cristianismo.

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Batman y la trilogía del Caballero Oscuro (II)

El caballero oscuro

El Caballero Oscuro, de Christopher NolanCuando reviso la trilogía encadenando un film tras otro, no puedo sino preguntarme: ¿fue concebida como un todo unitario o se construyó paso a paso, a medida que el éxito iba acompañando cada película? No he encontrado respuesta a esta pregunta, aunque yo me inclino más bien por la segunda opción. Que el resultado destaque por su coherencia y unidad puede ser un milagro o una prueba del talento de un hombre, Christopher Nolan, que es evidente, viendo su irregular pero muy atractiva filmografía, que padece un singular complejo de brillantez. En cualquier caso, si Batman Begins es una sólida antesala, las dos películas que comparten casi el mismo título —El caballero oscuro (2008) y El caballero oscuro: La leyenda renace (2012)— constituyen la mejor exploración jamás realizada del concepto de superhéroe (de hecho, del concepto de héroe), que recorre en todas direcciones de la mano de dos tramas verdaderamente absorbentes. Ambas películas son bastante similares entre sí, y de hecho la segunda es una variante de la anterior: al que no le guste mucho, de hecho, puede parecerle un mero recalentamiento por pura falta de creatividad. No lo creo así, pero es evidente que es una razón para tenerla en menos con respecto a El caballero oscuro, que, como ya he dicho, es la mejor película de superhéroes filmada hasta el momento actual.

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Batman y la trilogía del Caballero Oscuro (I)

Batman Begins, de Christopher NolanLa historia del tebeo de superhéroes (tanto en DC como en Marvel, las dos grandes editoriales del mainstream USA) sí cuenta con múltiples historias que ofrecen una notable densidad dramática, capaces de utilizar los elementos propios del género para ofrecer una mirada «adulta» —lo entrecomillo para quienes creen que el cómic, y en especial de este tipo, es solo para niños— sobre temas universales como la condición humana, el anhelo de poder, la identidad, etc. Basta citar nombres como los de Frank Miller, Alan Moore, Chris Claremont, John Byrne, Jack Kirby, Walt Simonson, etc. para saber de qué hablo. Pero en cine esa densidad adulta rara vez se ha conseguido. En parte, lo he dicho alguna vez, porque este género funciona mejor, por razones de credibilidad, en dibujos que en imagen real. Y en parte porque los planteamientos de sus grandes producciones se han contentado con apoyarse antes en la espectacularidad visual asociada al género (y que permiten los efectos especiales actuales) que con el reposo o la reflexión que también contienen. Pues bien, el mejor intento jamás efectuado en el género de superhéroes por ir más allá de los golpes y las explosiones, de los vuelos y los desastres, por el momento, se corresponde con la trilogía que el director y guionista Christopher Nolan dedicó al personaje de Batman y que se conoce bajo el nombre del segundo y mejor de los títulos que la componen, El caballero oscuro, que es, además, en mi opinión, la mejor película de superhéroes realizada hasta el momento.

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Tintín, de Spielberg: entre el asombro y la irritación

CartelTeaser TINTIN_UNICORNIO.aiDesde 1983, Spielberg tenía adquiridos los derechos para llevar al cine el inmortal personaje creado por el belga Georges Remi, más conocido como Hergé. Incluso llegó a hablar en vida con el ya venerable dibujante; y con motivo del estreno se ha señalado (no sé si hay alguna «prueba» de ello), que aquél señaló entonces que Spielberg era el único capaz de llevar a la pantalla el personaje con las debidas garantías. Si esas declaraciones son ciertas se deben, claro, a que Hergé debía haber visto En busca del arca perdida (1981), cuya historia, es indiscutible, posee evidentes reminiscencias «tintinescas». En el resto de su filmografía, después, Spielberg ha demostrado sobradamente un amor por la narración pura, sin necesidad de otras excusas —cuando las ha puesto es cuando su cine se estropea—, que no es que provenga de Hergé sino que delata que ambos beben de las mismas fuentes (o sea, la ficción de género universal). Pues bien, con toda una carrera a sus espaldas es cuando el que una vez fuera llamado Rey Midas de Hollywood se ha decidido a hacer realidad su vieja ilusión, y la sorpresa es la elección del formato: el cine de animación actual bajo la técnica combinada de la captura de movimiento y las Imágenes Generadas por Ordenador o CGI.

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Sherlock Holmes en el siglo XXI

Sherlock, serie de la BBC¿Ha dejado Sherlock Holmes de estar alguna vez de moda? Pocos personajes tan fértiles conoce la historia de la ficción, de tal modo que fue morir su creador, Arthur Conan Doyle, y comenzar la segunda vida del gran detective, bajo la forma de los pastiches y las adaptaciones a distintos formatos de sus aventuras. En este incipiente siglo XXI, en concreto, la sombra de Holmes está siendo bastante alargada. Primero de forma encubierta, mediante personajes claramente inspirados en su figura: por ejemplo, el misantrópico, drogadicto e inteligentísimo doctor House encarnado por Hugh Laurie en la serie televisiva que discurrió entre 2004 y 2012. En cine, el director inglés Guy Ritchie y el actor Robert Downey jr son las cabezas visibles de una nueva franquicia sobre el personaje, que se sitúa teóricamente en su época original, el final de la Inglaterra victoriana, pero mediante una mirada «posmoderna» que añade a su figura un toque de action hero bastante repelente y una aureola pseudo-existencialista no menos cargante. Puestos a revisar las bases del personaje, mucho mejor lo hace una serie británica, llamada escuetamente Sherlock, que empezó su andadura en el año 2010 y lleva, hasta el momento, dos temporadas compuestas únicamente por tres capítulos de 90 minutos de duración, más el anuncio del inmediato estreno, en enero de 2014, de la tercera. Una serie que sitúa las coordenadas de la creación de Conan Doyle en la época contemporánea, mediante un muy atractivo proceso de adaptación, y que tiene su cabeza visible en la excelente interpretación que del gran detective propone el actor Benedict Cumberbatch. Su papel en esta serie le ha hecho dar el salto al cine y a convertirse en uno de los actores de moda, como prueba el numeroso conjunto de estrenos que acumula este 2013 que acaba, y todos ellos films de grandes expectativas, ya por estar vinculadas a franquicias de gran éxito, ya por presentarse como cine de ambiciosas intenciones críticas: Star Trek: En la oscuridad, El Hobbit: La desolación de Smaug, El quinto poder, 12 años de esclavitud…

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El Hobbit: La Desolación de Smaug, el chicle sigue estirándose

El Hobbit. La Desolación de SmaugVaya por delante que esta segunda entrega de El Hobbit me parece mejor que la primera, y ello por una sencilla razón: es más entretenida y no se hace tan interminable como la anterior. Ahora bien (comienzo con los matices y los peros y los contras…), no es por mérito especial de su director y máximo responsable, Peter Jackson. De hecho, esta segunda entrega me confirma lo que ya pensé con la primera: que, en todo caso, el «nuevo» ciclo lo que hace es abrir los ojos con respecto a los méritos reales de Jackson en la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos, es decir, que es un buen orquestador de equipos y un director discreto. El Hobbit está narrada exactamente igual que El Señor de los Anillos, lo cual ya me parece un error porque solo consigue parecer más de lo mismo. Lo digo ya: si El Hobbit: La Desolación de Smaug interesa más que Un viaje inesperado es porque entra en una parte de la aventura de Bilbo Bolsón mucho más interesante. En la primera entrega se notaban demasiado los «rellenos» urdidos por Jackson y sus guionistas, y pesaba demasiado que, las cosas como son, esta aventura pensada por Tolkien es de aliento mucho más modesto, en lo épico, en lo imaginario, en lo literario, que el de su más famosa obra literaria.

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Remedios Varo o la pintura como alquimia

El gato helechoDebo a mi única estancia en tierras mexicanas dos descubrimientos sustanciales: la generosa hospitalidad de sus habitantes y la existencia de una misteriosa pintora llamada Remedios Varo. En el Bosque de Chapultepec, a unos pasos del Museo de Antropología, después de haber consagrado unas cuantas horas a la contemplación de sus vestigios precolombinos, un paseo casual nos llevó a tropezarnos con el cercano y mucho menos conocido Museo de Arte Moderno, situado en un edificio pequeño (por comparación con el muy famoso museo anterior), enclavado en medio de los arbolillos del bosque y flanqueado por atractivas esculturas contemporáneas. Y en sus paredes nos tropezamos con un conjunto de fascinantes lienzos firmados por una pintora española de la que nunca habíamos oído hablar. Una mujer-lechuza que está pintando aves a las que un rayo estelar, filtrado por una lente newtoniana, hace vivir tan pronto concluye el dibujo; una figura solitaria que acciona un extraño engranaje que atrapa el agua de lluvia, mientras se envuelve en una manta ajedrezada que forma parte del suelo; un gato cuyo cuerpo está formado por hojas de helecho y que mira al espectador con sus enormes ojos verdes (ver arriba); una mujer que alimenta con una papilla literalmente estelar nada menos que a una luna en cuarto menguante que está encerrada, cual pajarillo, en una jaula; una ciudad en medio de las aguas cuya forma es una espiral por cuyos canales interiores discurre un conjunto de extrañas embarcaciones… De este maravilloso cuadro, precisamente, está extraída la ilustración que encabeza mi blog: quien quiera verlo en su integridad lo encontrará justo al final del comentario (pero léanlo también, por favor).

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Los nombres muertos: Lovecraft en busca del Necronomicon

Los nombres muertos, de Jesús CañadasEl Necronomicon es uno de los más famosos libros de ficción que pueblan la literatura. Lo inventó el escritor Howard Phillips Lovecraft en su relato El sabueso (1922), y su contenido es tan horrible que provoca la locura o la muerte en aquellos que lo leen. Su autor es el árabe «loco» (el adjetivo es imprescindible) Abdul Alhazred. La influencia que HPL consiguió entre un grupo de escritores de ficción pulp, la mayor parte de ellos reunidos en torno a la mítica revista Weird Tales, hizo que el mismo libro fuese «adoptado» por muchos de estos en sus propios relatos, con el beneplácito de su creador, al igual que buena parte de sus engendros luego englobados bajo la categoría de los Mitos de Cthulhu, del mismo modo que haría el propio Lovecraft con algunas de las creaciones de sus amigos. Incluso, el autor, en 1927, escribiría un breve relato titulado Historia del Necronomicon, para uso de aquéllos, en el que establecía la pequeña historia del libro: su inicial redacción en árabe bajo el título de Al Azif, su traducción (perdida) al griego, en la cual recibió el nombre por el que sería conocido, la traducción al latín por el sabio danés Olaus Wormius y, por último, la referencia a las escasas universidades que se sabe que guardan, bajo siete llaves, un ejemplar. Esta intertextualidad entre amigos y discípulos acabaría trascendiendo los límites del Círculo que, tras la muerte del escritor, y cuando el culto a Lovecraft se convirtió en universal, el juego trascendió los límites de la ficción, apareciendo falsos anuncios de su existencia en diversos catálogos bibliográficos. En los años 80, su apropiación por parte de Sam Raimi para su saga iniciada con Posesión infernal (1981) lo dotaría de aun mayor popularidad. ¿Qué aficionado al género de terror, haya leído o no a Lovecraft, no ha oído hablar del Necronomicon?

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Claudius Bombarnac de Fórcola, una edición mayor de un Verne menor

La edición Fórcola de Claudius BombarnacNo figura Claudius Bombarnac entre los títulos más (re)conocidos de Julio Verne, no ya entre sus grandes obras maestras sino siquiera entre la «segunda división» de su literatura, que todavía encierra excelentes novelas. Yo mismo no la había leído hasta ahora, pese a que estaba —con el nombre castellanizado a «Claudio»— entre el entrañable conjunto de viejas ediciones de Molino que heredé de mi abuelo, y en las que trabé mi amor por el escritor bretón. Una breve ojeada a sus páginas, dejando entrever un argumento poco interesante, y algún elemento estilístico que entonces me parecía simple (los verbos en tiempo presente), fueron responsables de esa renuncia. Sin embargo, hay ediciones que obligan a replantearse las lecturas, y Claudius Bombarnac acaba de ser objeto de una publicación magnífica, que por el mero hecho de poseerla y disfrutarla, me ha «obligado» a leerla, para descubrir que, es verdad, no estamos ante ninguna novela memorable pero sí con cierto encanto y la mínima amenidad (además, no es muy larga). Se trata de la edición que acaba de lanzar la madrileña Fórcola, una editorial modesta pero admirable, por la calidad de sus libros y el evidente cariño puesto en ellos. Y este libro, que recomiendo desde ahora mismo, a vernianos y amantes de la literatura geográfica en general, es muestra eminente de lo que afirmo.

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A vueltas con Blade Runner (III): el futuro parece ayer

Blade Runner forever!

Las fechas emblemáticas del futuro de la ciencia-ficción, tarde o temprano, son alcanzadas, rebasadas: se convierten en pasado, en un pasado que, dejado ya muy atrás, nunca pudo ser futuro. La primera fecha importante que alcanzamos fue el orwelliano 1984. Después llegamos a 1997, para descubrir que Manhattan no se había convertido en una gigantesca-isla presidio. Por supuesto, en el 2001 no hubo señales de que estuviéramos cerca, siquiera, de encontrar una respuesta definitiva al enigma del hombre. Todavía nos queda, sin embargo, el 2019, aunque cada vez estamos más cerca y no parece que los estupendos spinners, en esa fecha, vayan a surcar el cielo de nuestras megalópolis…

Siempre he recordado una declaración que hizo Ridley Scott en el momento del estreno de su película, que decía algo así como que él se imaginaba el mundo futuro como un lugar que sería más o menos parecido al actual, sólo que al girar una esquina, de pronto, nos encontraríamos con algo extraordinario. Es una bonita manera de expresar el contenido visual de este género que llamamos distopía, que suele transcurrir en el futuro (pero un futuro no demasiado lejano de nuestro pasado) y mediante el cual, en realidad, sus buenos autores lo que intentan es explicar el presente del ser humano. Particularmente, siento una especial inclinación por aquellas distopías que tratan de alertarnos sobre la mayor amenaza que pende sobre el ser humano: la deshumanización (de nosotros, de nuestro entorno). Es el sello de varias de sus mejores propuestas, como por ejemplo una de mis películas de cabecera del cine contemporáneo, Gattaca (1997, Andrew Niccol), un film que además comparte múltiples vasos comunicantes con Blade Runner, desde la trama policiaca a la apariencia minimalista, la presencia de una banda sonora diferente o el peso dramático que se otorga a la clasificación del ser humano.

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A vueltas con Blade Runner (II): humanidad y divinidad

Cartel alternativo de Blade RunnerEn el hiperpoblado Los Angeles del año 2019, un policía de una categoría especial, la unidad blade runner, recibe el encargo de encontrar y liquidar a cuatro replicantes (androides de apariencia humana, cuya fuerza e inteligencia los hace superiores) que han quebrantado la ley que impide su presencia en la Tierra. Los replicantes vienen en busca del hombre que los creó, el dueño de la Corporación Tyrell, para pedirle que corrija el defecto que los aleja de la humanidad: para evitar susceptibilidades entre los auténticos y mucho más imperfectos humanos, están programados para «funcionar» (vivir) solo cuatro años. Este famoso detalle no existe en el libro, lo cual abre para la película unas vías de desarrollo muy sugerentes, por medio de las cuales construye su propia personalidad dramática. Como señalaba en mi previo comentario, Blade Runner es muchas cosas, pero una de las más positivas es su forma de adaptar un libro previo, magnífico, abriendo direcciones que son diferentes a las propuestas en el original pero que, en el fondo, mantienen una coherencia con éstas, por lo cual no solo no lo traicionan sino que lo complementan: lo enriquecen.

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